Lupa en répétition parmi les acteurs de « Salle d’attente » (Elisabeth Carecchio)

« Salle d’attente », le magnifique spectacle du Polonais Krystian Lupa, réalisé avec de jeunes acteurs suisses et français, vient à Paris. En juin dernier, lors de sa création à Lausanne, j’avais dit ici toute l’importance de ce spectacle librement adapté de la pièce de Lars Noren, « Catégorie 3.1 ».

La salle d’attente des répétitions

Rebaptiser cette pièce « Salle d’attente » n’est pas anodin. C’est à la fois dire la vision qu’a Krystian Lupa de cette œuvre conséquente qui commence par ces mots : « Une grande pièce vide. »

Dans la pièce, tous les personnages sont en attente (en manque aussi bien mais c’est tout comme) : « shoot », verre, argent, jour, nuit, que quelque chose se passe, advienne.

Mais le titre dit tout autant cette salle d’attente qu’est le temps des répétitions, temps redoublé ici par son caractère inhabituel : c’est la première fois que Lupa travaille avec des jeunes acteurs de langue étrangère.

Il les avait choisis au sortir de grandes écoles de théâtre en langue française (Lausanne, Paris, Strasbourg, Bordeaux) mais ils ne savaient rien d’eux et eux, peu de choses de lui. 

« Notre vie au théâtre est plus proche de nous »

Ce fut une vraie rencontre. Rare, exceptionnelle. Une complicité construite au jour le jour.

Eternel insatisfait, Krystian Lupa ne semblait pas mécontent. Même si au soir de la première, il les apostropha d’un « ça pue le théâtre ! » salvateur. Les acteurs ne l’ont pas oubliée, cette apostrophe, ni tous ces mots que Lupa leur a lancés au fil des répétitions.

Ils n’ont rien oublié de cette aventure qui va les porter loin dans leur « métier » – les guillemets s’imposent car, pour Lupa le métier d’acteur n’en est pas un ou pas seulement. « Notre vie au théâtre est plus proche de nous que notre vie dans la vie », leur a-t-il dit un jour de répétitions.

Les jeunes acteurs ont saisi au vol ces mots lâchés comme des oiseaux sauvages au fil des répétitions. Plusieurs les ont consignés dans des carnets ou parfois enregistrés. Et ont bien voulu me les confier.

Voici des extraits des carnets d’une des actrices, Adeline Guillot, qui valent pour tous les acteurs. Que tous en soient ici remerciés.

« L’alcoolique n’a pas de règles »

Mercredi 16 mars

Premier jour de répétition.

« Aborder le texte, la matière, comme on entre sur une île. »
« Prendre le risque de parler au plus près de soi. »

Dès le premier jour, Lupa fait improviser les acteurs. Ce jour-là, balbutiant, les actrices sont « trop rationnelles ». Il faut « fouiller » dans « Catégorie 3.1 ». Ils fouilleront.

Jeudi 17 mars

Jean Genet EN 1983, à Vienne (Autriche) (IPO/Wikimedia Commons/CC)

Lupa évoque Georges Bataille, Jean Genet (« l’immortalité en prison »), le film d’Agnès Varda « Cléo de cinq à sept », Henri Michaux et son usage de la mescaline.

Plus tard, il parlera de Rilke, des cinéastes Rohmer, Gus Van Sant et du monologue de Molly dans « Ulysse » de Joyce. Il leur montrera aussi ses autres spectacles.

Vendredi 18 mars

« On ne peut connaître aucun des personnages complètement. C’est la force du texte, c’est fascinant. »

Il cite « Les Idiots » de Lars Von Trier.

« L’usage de la parole est réglé par des conventions, des règles. Il faut les écarter. L’alcoolique n’a pas de règles. »

L’improvisation, ce « monologue intérieur »

Samedi 19 mars

Lupa parle d’une des bases de son travail avec « l’improvisation » (qui ne cesse jamais, même à l’heure des représentations) qu’il nomme « le monologue intérieur ». Donnée cruciale pour l’approche du personnage. Il va de soi que Lupa infléchit ces notions à sa manière en se les appropriant.

« Le monologue intérieur, c’est quelque chose que l’acteur capte pour entrer en contact avec le personnage, c’est un essai de capter l’intérieur de nous-mêmes. »

Pour mieux se faire comprendre, il fait référence à Proust :

« Quand il met la madeleine dans sa bouche, il voit sa mère, il voit plus que la réalité immédiate. »

Ce jour-là, Lupa demande à chaque acteur d’écrire « deux minutes » de monologue intérieur le lendemain soir, un dimanche.

« C’est un peu bizarre le dimanche, un peu difficile, vague, flou, et dans le spectacle on parle de gens flous. »

Scène de « Salle d’attente » (Elisabeth Carecchio)

Lundi 21 mars

Les monologues sont écrits mais ils ne seront jamais lus à haute voix. C’est la part secrète de l’acteur.

« La frontière du monologue intérieur est différente pour chacun. Il n’y a pas de modèle. C’est un espace unique.

Le déshabillage est une métaphore du monologue intérieur. Il faut oser, avoir du courage devant soi. Pas le courage d’avouer un mystère ou d’être exhibitionniste, mais le courage de lâcher la rampe. »

«  Cela peut être une lettre à quelqu’un, un journal intime, c’est une expérience du chemin. Avec le monologue intérieur, tu voyages là où tu ne connais pas. C’est un voyage vers le personnage. Une danse pour entrer dans le corps du personnage. » 

« Tu mens de moins en moins »

Mardi 22 mars

« J’oublie que je pense parce que je suis déjà loin. La connaissance du monologue intérieur doit devenir organique. Tu dois trouver ta grammaire propre. A partir de ce niveau-là, tu peux aller partout. »

« C’est un exercice solitaire. Si tu fais du monologue intérieur pendant une heure, tu te rends compte que tu mens de moins en moins. »

« Ne pas se concentrer sur l’exercice (la scène) mais sur l’association qui me connecte au personnage. Ce dernier m’attire vers mes propres zones. J’y vais et j’y construis des fantaisies. »

« L’homme est toujours intéressant et vrai quand il est illogique, incertain. Quand il est dans l’étonnement. »

Scène de « Salle d’attente » (Elisabeth Carecchio)

Mercredi 23 mars

«  Le meilleur spectacle arrive au moment où on ne pense plus que tout dépend de nous et qu’on a confiance en nous. »

« Que cela soit effrayant ! »

Samedi 26 mars

« L’être humain vit avec deux genres. La culture fait de toi un homme ou une femme. Il refoule l’autre côté. Ce personnage de l’autre côté est plus mystérieux. »

Mardi 29 mars

Premières improvisations devant la caméra, dont le spectacle portera la trace.

« Attention au mensonge ! Il faut traiter l’improvisation comme un brouillon. Si tu accumules beaucoup alors tout s’écroule et c’est très bien. Ne pas s’accrocher à ce que tu as préparé. Plus tu te surprends, plus tu commences de manière personnelle. Que cela soit effrayant ! »

Et ainsi de suite.

Le 31 mai, la première est proche.

« Le premier acte est comme une façon d’être. Le spectacle doit avoir le caractère d’une installation. C’est une matière provocante, inquiétante. On vient ici avec une charge qui se décharge dans la relation.

Aucune scène ne doit être jouée de façon conventionnelle. Il faut être dénudé de tout ce qui est ACTEUR. »