Le piètre hommage à la photo de mode des Rencontres d'Arles
On peut légitimement s’interroger sur l’essence de la photographie de mode. On peut aussi mettre en question ses codes, sa signification sociale, distinguer dans son histoire une évolution, ou même des révolutions. On peut vouloir remettre en cause sa place dans les lieux dédiés à l’art.
Mais quelle que soit la question que l’on se pose sur la photographie de mode, on trouvera très peu de réponses aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles. Christian Lacroix a beau être un couturier, le corpus d’œuvres qu’il a retenu pour cette édition des Rencontres reste à cet égard extrêmement aride.
A Arles, la photographie de mode est montrée comme si elle était une pratique au registre formel momifié. Présentée dans des lieux réservés à l’art, elle n’y est, à aucun moment, et en aucune manière, mise en crise.
Une impression d’artificialité se dégage de l’exposition de Lindbergh
Kristen Mc Menamy, Vogue France, Beauduc, 1990 (Peter Lindbergh).
A l’église des Frères-Prêcheurs, les photographies exposées par Peter Lindbergh, en noir et blanc, sont d’un grand classicisme. Il s’agit de différentes séries prises entre 1990 et 2007. Conformément à l’esthétique en vogue dans les années 90, les poses des mannequins sont extrêmement sophistiquées et les visages sont impassibles, malgré l’exubérance de la végétation camarguaise.
Ici, des mannequins habillés haute couture, mais tout à fait inexpressifs, posent au milieu de bosquets. Là, d’autres tordent leurs corps dans des formes inspirées du cirque. Plus loin, quelques détails de visages. Mais, dans tous les cas, une grande sensation d’artificialité se dégage de l’exposition ; et la Camargue ne semble plus être qu’un faire-valoir.
(Paolo Reversi).
A l’Eglise Sainte-Anne, le « studio » du photographe de mode pourrait presque décorer Paris Capitale du XIXe siècle. Paolo Roversi nous y présente en effet une série de clichés en noir et blanc, pris entre 1986 et 2005, représentant des jeunes femmes diaphanes, souvent nues, regardant l’objectif sans manifester, comme c’est la règle, la moindre émotion. On reconnaît ici et là quelques figures fragiles du gratin du gratin de l’élite des mannequins. De temps à autre, une image « artistique » de vieux studio.
Dans une des alcôves de droite, des figures du Lapland (Finlande) surgissent, peut-être pour se donner bonne conscience. Tout à côté, une mosaïque résume l’ensemble de l’exposition, toute en effets : effets de flous, effets de taches colorées, effets dans la grandiloquence expressive des gestes. La photographie de mode de Paolo Roversi montrée ici convoque sans finesse l’arsenal le plus conventionnel de l’émotion esthétique.
Les photos d’Avedon exposées respectent les codes du genre à la lettre
’En souvenir des regrettés M. et Mme Comfort’ (Richard Avedon/The Richard Avedon Foundation).
En face de l’Eglise, dans le cloître Saint-Trophime, l’ « adieu radical au rédactionnel de mode » de Richard Avedon ne donne pas de quoi fouetter un chat. Il desservira la réputation du maître aux yeux des infortunés qui ne seront pas allés voir sa rétrospective du musée du Jeu de Paume.
Le spectateur d’aujourd’hui aura du mal à sentir ici le parfum du scandale : les codes de la photographie de mode sont respectés à la lettre. Le symbolisme est souvent trivial, et parfois ridicule -comme par exemple lorsque Nadja Auerman, dépitée parce que le temps passe, caricaturale dans chacune de ses expressions, gratte un mur jusqu’au sang. En tout état de cause, la série est devenue à maints égards un véritable monument de kitsch.
’Bain de soleil anglais’, Vogue Italie 2001, Northumberland (Tim Walker).
Kitsch l’est tout autant l’exercice de style présenté par Tim Walker aux ateliers SNCF. Les images, tirées de séries réalisées pour différentes éditions du magazine Vogue, entre 2001 et 2006, misent tout sur l’irruption d’une certaine étrangeté d’inspiration dadaïste : compositions aux effets oniriques, apparitions arbitraires d’objets dans l’espace destinées à plonger le spectateur dans le sentiment d’irrationalité du rêve. Certaines des photographies sont très belles. Dans d’autres, néanmoins, l’usage de ces tactiques visuelles semble véritablement pris au premier degré et manque sa visée.
L’expo du magasin Colette : branchée, forcément branchée
Bien sûr, aux Rencontres, il y a d’autres occasions de penser à la photographie de mode. Ainsi, l’exposition que présente le magasin Colette, temple parisien des tendances, est nettement plus « branchée » : tellement « branchée », tellement mode, qu’on y chercherait presque le contenu proprement photographique.
Colette ne nous épargne aucun cliché : on trouvera bien sûr l’immanquable topique du japonais « sur-stylé », qui enchantera toutes les victimes de la fashion, tout comme les look books de la Maison Martin Margiela, dans la pièce attenante.
Au final, on se demandera donc bien où sont passés Jürgen Teller, Terry Richardson, ou bien Wolfgang Tillmans, ces photographes qui, comme Richard Avedon en son temps, ont révolutionné la photographie de mode contemporaine en l’installant dans une zone de précarité sémantique salvatrice.
Christian Lacroix à la tête des Rencontres, cela pouvait être la promesse d’un questionnement de fond sur les liens entre la mode et la photographie. Bien au contraire, on se retrouve ici face à une rétrospective conformiste où aucun code, aucun système symbolique n’est mis en danger.
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à mon avis le terme « photographie de mode » n’a plus lieu d’être. Il devrait être remplacé par « imagerie ».
Tellement de choses interviennent avant (maquillage, coiffure..) et après.
Avec photoshop tout est modifiable : écartement des yeux, lissage de peau, volume de la chevelure, amincissement du modèle, etc.
Ce n’est donc plus une photo que l’on nous présente.
ne parlons pas des « mises en scène » convenues et si pauvres, sans spontanéité et sans chaleur, comme le papier glacé des magazines.
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